Noi segnaliamo un corso di trucco monografico e un corso di Yoga nella suggestiva Villa Borghese.

Trucco monografico: anti-age 

(cod. 23188)
Con l’avanzare dell’età la pelle ha dei cedimenti, compaiono le prime rughe ed i tessuti iniziano a perdere compattezza. Col make-up non si ottengono miracoli, si riesce a ringiovanire di qualche anno un volto, a renderlo più gradevole, purché il trucco sia eseguito in modo sapiente ed adeguato.

Il corso

3 lezioni per un totale 6 ore a 40 euro

Quando

A partire dal 27 maggio tutti i lunedi’ dalle 17 alle 19

Dove

Palazzo Englefield, Via Quattro Novembre 157, ROMA

Iscriviti

Yoga a Villa Borghese 
Benessere psicofisico attraverso l’integrazione di corpo, mente e spirito
Lo Yoga è nato per essere praticato outdoor. Il vento sulla pelle, i suoni della natura e la luce ci permetteranno di fare il pieno d’informazioni sensoriali, aiutandoci ad armonizzare il nostro corpo con il mondo che ci circonda. Disciplina antichissima, sarà protagonista di speciali lezioni dedicate a creare in tutti i partecipanti, armonia e benessere. In particolare verranno praticate le sequenza Ashta Karana (gli 8 movimenti di salute della colonna vertebrale) le Asana (posizioni statiche), per migliorare la respirazione, espandere la mente e portare equilibrio al corpo.

Il corso

6 lezioni per un totale di 9 ore a 60 euro

Quando

A partire dal 4 giugno dalle 18 e 30 alle 20

Dove

Villa Borghese, ingresso Porta di Piazzale Flaminio

Iscriviti

La mostra propone un percorso nell’immaginario pittorico di Roberto Mangú, artista di notorietà europea, tramite un seguito di circa 25 opere di grande formato legate, appunto, al suo rapporto poetico con il Mare Mediterraneo. Di origine andalusa, Mangú ha il Mediterraneo nel sangue. Cresciuto intellettualmente a Parigi, ha saputo far convivere la sua doppia natura di mediterraneo e di figlio dell’“Industria Europea”, nel suo peregrinare giunge a Milano, il posto giusto per lui dove ha infatti vissuto per anni.
Dall’Andalusia riceve la cultura del mare, la cultura dell’oro, la cultura della notte e quella del viaggiare. Dalla cultura del Nord riceve lo spirito e la forza dell’industria.
La somma di queste esperienze e il suo percorso umano, che lo ha portato a toccare i tre paesi mediterranei ha prodotto in lui e nella sua arte una visione poetica fortemente identitaria, nella quale l’Italia riveste la forma di un “Essere in Piedi”.

La pittura di Roberto Mangú si esprime in uno spazio temporale che appartiene al nostro presente, ma si colloca in una prospettiva atemporale, designando un «altro attuale» che – secondo la definizione di Emmanuel Lévinas – interrompe una continuità lineare sia per inserirsi nella memoria che per proiettarsi nel futuro. Questa certezza, profondamente insita nell’artista, di provocare il destino della pittura, data per morta nel secolo passato, ci offre lo spunto per una riflessione estremamente profonda e attuale sulla nostra sorte. I dubbi e le incertezze che incombono ogni giorno sugli uomini ci obbligano a incessanti riferimenti al senso del tempo, come se quest’ultimo progredisse nell’ineluttabile conseguenza dell’istante che lo precede.

Roberto Mangú, per le sue origini, per il suo credo, aderisce a questa eredità luminosa e tragica al tempo stesso, abbagliante e contrastata, veicolo di tanti sogni e speranze e che egli vede come un vasto territorio comprendente l’Africa e il cui centro è l’Italia, ricordandosi dei Girasoli di Van Gogh nei campi di grano della Provenza, di Picasso e di Mirò – che rivolsero il loro sguardo alle altitudini delle loro origini andaluse e catalane – e di Nicolas de Staël, quel russo divenuto mediterraneo che soccombette alla singolarità tragica di questo mare sfracellandosi sulle rocce di Antibes.
Recentemente Mangú è stato invitato dal Musée Bonnard di Le Cannet ad illustrare in catalogo della mostra Bonnard, dans la lumière de la Méditerranée (Ed. Hazan, 2011), il suo rapporto identitario e pittorico con il maestro francese al quale si riferisce: “Noi pittori, e in particolare noi, i figli di Bonnard, sperimentiamo una singolare situazione che ci conferisce questa duplice condizione di essere, in quanto pittori, i possibili eroi che rendono visibile il mondo in potenza, e allo stesso tempo i più sospettati, per una certa doxa sulla modernità, di utilizzare mezzi retrogradi.”
La mostra Mar Adentro è una riflessione sulla modernità, sull’idea stessa di pittura in un tempo iconoclasta.


Dove
Galleria Carifano, Palazzo Corbelli
Via Arco d’Augusto 47 – Fano

Quando
7 giugno – 24 agosto 2013

Orari e ingressi
Galleria Carifano
da martedì a sabato h. 18.30 – 21.30
chiuso domenica e lunedì – INGRESSO LIBERO

In Ticino le novità non mancano mai. Di seguito una carrellata di proposte che vanno ad arricchire l’offerta di svago, relax e per il tempo libero del Cantone più a sud della Svizzera!

L’Acquaparco vi attende.

Splash and Spa Tamaro | dal 15.06.2013 | www.splashespa.ch

Il 15 giugno 2013 il nuovissimo Acquaparco Splash e Spa Tamaro a Rivera è realtà! A dieci minuti da Lugano, apre i battenti il non-plus-ultra in ambito di parchi acquatici. I promo- tori hanno esaminato molteplici cantieri in Svizzera e Germa- nia e hanno fatto confluire il meglio nel proprio progetto. L’acquaparco Splash e Spa Tamaro si presenta come il „più innovativo e spettacolare acquaparco d’Europa.”

Su una superficie pari a 10‘000 metri quadrati si dispiegano cinque scivoli, piscine, onde artificiali, un grande centro well- ness e benessere per rilassarsi. Divertimento assicurato per tutta la famiglia!

Centro Evolution.

Centro di arrampicata Evolution | Taverne | www.evolutioncenter.ch

Da fine aprile 2013 è stato ufficialmente aperto al pubblico il Centro di arrampicata Evolution: il primo ed unico centro in Canton Ticino e anche uno dei più grandi in Svizzera, intera- mente dedicato all’arrampicata sportiva indoor.

Alpinismo ed arrampicata sono discipline molto amate e prati- cate in Ticino, soprattutto in estate. La morfologia del paesag- gio consente infatti molte possibilità per dilettarsi all’aria aper- ta: dalle classiche pareti verticali ai monoliti per praticare il bouldering. Ora, grazie al Centro Evolution, sarà possibile ar- rampicare tutto l’anno, anche in inverno per prepararsi al me-

glio alla stagione estiva o magari anche solo per avvicinarsi a questa entusiasmante disciplina sporti- va.

La mostra di Qiu Zhijie è la prima tappa di New Roads, un progetto triennale di collaborazione internazionale tra Cina e Italia nato dalla volontà di creare una piattaforma di dialogo multiculturale attraverso l’arte contemporanea.
Tre sono le istituzioni coinvolte: Fondazione Querini Stampalia di Venezia e il Museo Aurora di Shanghai che, attraverso il fondamentale intervento di mediazione interculturale e artistica di Arthub Asia, mettono a confronto la loro storia e le loro collezioni, analizzandole e espandendole attraverso progetti commissionati a artisti contemporanei occidentali e orientali.

Le opere site specific di Qiu Zhijie, così come tutti i precedenti progetti di arte contemporanea del programma Conservare il Futuro, sviluppati dal 2000 alla Fondazione Querini Stampalia, sono state pensate in relazione agli oggetti della collezione permanente. In questo caso, il confronto e l’analisi si estenderanno oltre, costruendo dei ponti concettuali e stilistici tra le opere della Fondazione veneziana e la preziosa collezione asiatica d’arte antica del Museo Aurora di Shanghai.
Eludendo la distanza geografica e smascherando quei pregiudizi secolari accumulati nel corso degli scambi culturali tra Oriente e Occidente, l’approccio cartografico di Qiu Zhijie traccia, scopre ed evidenzia le connessioni tra i due musei ma anche tra Shanghai e Venezia, due città accomunate da molteplici aspetti tra cui la loro innata indole all’apertura e allo scambio, tipica dei luoghi che si affacciano sul mare. Guardando le mappe di Qiu Zhijie, viene subito in mente l’organicità e la Fluidità della mappa di Venezia, sinuosa e densa. Qiu Zhijie le costruisce individuando un sistema di cellule tipologiche e simboliche che si aggregano l’una all’altra come nel tessuto urbano della Serenissima, dando vita a straordinarie e organiche cartografie che come grandi arazzi capovolti raccontano dei molti nodi e fili che le tengono insieme.

Il titolo della mostra L’Unicorno e il Dragone. Una cartografia delle collezioni della Fondazione Querini Stampalia, Venezia e del Museo Aurora, Shanghai trova ispirazione nella conferenza di Umberto Eco – “Cercavano gli unicorni” – tenuta all’Università di Pechino nel 1993.
Lo studioso, in un’analisi dei meccanismi che scaturiscono dal confronto e dalla scoperta di culture diverse, puntualizza una certa tendenza, protratta attraverso i secoli, a classificare simboli, nozioni e concetti estranei, adattandoli ai propri sistemi di referenze culturali. L’esempio più clamoroso citato da Eco è proprio quello secondo il quale Marco Polo, vedendo un rinoceronte durante i suoi viaggi in Oriente, lo identificò subito come un unicorno, seguendo l’unica possibile classificazione che la tradizione occidentale gli aveva messo a disposizione per definire una creatura con un corno.

La serie inedita di mappe di Qiu Zhijie, alcune impresse su carta con una tecnica secolare cinese di tamponamento con spugne (rubbing), altre disegnate ad inchiostro direttamente sulle pareti, illustrerà proprio questi bizzarri equivoci nati dai rapporti di scambio culturale tra Italia e Cina e, in senso allargato, tra Occidente e Oriente. Attraverso molteplici referenze storiche, filosofiche e figurative, l’artista non solo ci guiderà nella storia ed evoluzione di queste mistificazioni, ma ci aiuterà a scoprire come tali interpretazioni fuorvianti possano rivelarsi basilari nella scoperta di nuove e inaspettate analogie transculturali.

È infatti molto facile identificare l’errore palese di Marco Polo, ma quello che Qiu Zhijie ci sa rivelare è che in realtà, anche nella tradizione cinese è sempre stato presente un unicorno, che non è né un cavallo con un corno in fronte, né un rinoceronte. L’unicorno cinese è infatti una figura mitologica chiamata Qilin o Tianlu, e in alcune raffigurazioni appartenenti alla collezione Aurora, sorprendentemente simile al leone alato di San Marco.
L’opera dell’artista si vuole focalizzare quindi anche sul processo di trasformazione di quelle immagini che, pur strutturate già da antichi innesti di forme, vengono “contaminate” e trasformate dall’interazione e comunicazione tra culture.

Queste commistioni di significati mistici e forme verranno rappresentati da Qiu Zhijie anche attraverso una serie di sculture in vetro di animali mitologici che racchiudono immagini provenienti da due depositi di memoria: le collezioni del Museo veneziano e del Museo Aurora di Shanghai.

Dal 29 maggio al 18 agosto

dalle 10 alle 18, chiuso lunedì

Fondazione Querini Stampalia Santa Maria Formosa
Castello 5252, 30122 Venezia
tel. 041 2711411 fax 041 2711445 www.querinistampalia.org

In regalo per voi “Eccellenze Senior“, una serie di riflessioni e di informazioni per capire come sta cambiando, per noi, la società.

I contenuti:

Automotive

Guidare fino a 100 anni con l’auto self-driving

Salute

Dall’oriente ‘terapia’ cognitiva contro la demenza senile

Design

‘Design Week’ a MI, in cerca di comfort ‘for senior citizen’

Architettura

Insospettabilmente… Senior

Robotica

Per gli elderly tecnologia più friendly, per favore

Economia

Portafogli perduti?

Movie

Totem e tabù: L’età matura nel cinema moderno

Green

Fiera delle piante rare a Ordan-Larroque

Europa

Obiettivo nuova solidarietà tra generazioni

Scaricate il librino nella versione a due pagine affiancate.

Stampate, invece, la versione per pagine singole, per leggerlo su carta… anche senza occhiali.

E poi diteci la vostra a grey-panther@grey-panthers.it.

Quante volte, nella nostra vita, abbiamo riscoperto la canzone napoletana? sussurrata, urlata, troppo spesso profanata,  ogni volta questa musica affascinante, volgare e raffinata, sublime e solare, o tragicamente radicata nelle ombre segrete dei vicoli e dei bassi, ci rivela una nuova delle sue mille facce, comiche, nostalgiche, beffarde, assassine…

Da Caruso a Pavarotti (e a quant’altri effimeri tenori !), da Roberto Murolo agli strimpellatori da pizzeria, sino ai gondolieri sovraccarichi di turisti americani, per i quali ‘O sole mio può illuminare indifferentemente il Vesuvio o piazza San Marco, la canzone napoletana è il genere – credo – mondialmente più diffuso e conosciuto, anche se molto spesso ridotto a cliché deformati dal luogo comune.

Storie di Napoli è il terzo o il quarto disco che Marco Beasley – napoletano di padre inglese – dedica a Napoli e alle sue musiche; la sua voce è naturale, spontanea, senza forzature nella caratterizzazione ( giusto un po’ d’accento quando ci vuole ) né eccessi di buona educazione scolastica.

Il programma è quanto di più variato: dal XVI secolo ad oggi, dalla poesia sospirata di Fenesta vascia alla scatenata Tarantella Tapanella, dal madrigale amoroso Cara è la rosa alle macchiette da caffé concerto – Tiempe bbelle ‘e na vota, Mazza, pezza e pizzo – e alle canzoni di Lucio Dalla e Pino Daniele, il tutto rivisitato attraverso una strumentazione raffinata e originale e interpretato da musicisti che, malgrado la loro formazione rigorosamente classica, si abbandonano senza complessi alla voluttà liberatoria del ritmo e delle melodie più appassionate.

Gli strumenti sono, per lo più, barocchi – ma c’è anche uno scacciapensieri, ed il liuto si alterna alla chitarra – con una sonorità che si adatta perfettamente a questa musica di gioia e di lacrime, di rivolta e di ironica accettazione.

Marco Beasley è il protagonista di questa entusiasmante raccolta. Aprendo a nuovi orizzonti la sua già affermata reputazione di «crooner barocco» egli traccia i sorprendenti ponti del «crossover» tra generi spesso musicologicamente opposti, con la valorosa collaborazione di Guido Morini – autore delle trascrizioni, clavicembalista e direttore musicale – e di Accordone

ps: avete visto Passione, di John Turturro ? in film e in DVD, un divertentissimo affresco che della canzone napoletana dà una visione veramente «panoramica», nella prospettiva inedita della memoria più o meno inconscia del figlio di emigrati che riscopre questo mondo affascinante con occhio americano ma cuore italiano (se non proprio partenopeo…)

Ascolta storie di napoli
Guarda l’integrale del concerto

Sonate per violoncello e pianoforte, Trio per clarinetto, violoncello e pianoforte - Ophélie Gaillard: violoncello, Louis Schwizgebel-Wang: pianoforte, Fabio Di Casola: clarinetto
Aparté (75’25″)

Ophélie Gaillard – che alterna le registrazioni di musiche barocche a quelle del repertorio romantico – illumina delle sue sonorità dense e impone con il suo fraseggio scultoreo i due monumenti del repertorio cameristico di Brahms per violoncello ed il Trio op.114 in cui il violoncello è protagonista assieme al clarinetto.

La Sonata op.38 è dedicata all’amico Gänsbacher, giurista di formazione, professore di canto e dilettante di violoncello (si racconta che durante una prima lettura dello spartito, assieme a Brahms, il povero Gänsbacher si lamentasse di esser sopraffatto dal pianoforte, e di non riuscire a sentirsi; «siete veramente fortunato», sembra sia stata la risposta del compositore …).

Non è qui il caso. Tra Ophélie Gaillard e Louis Schwizgebel-Wang equilibrio e complicità sono perfetti nel decifrare le complesse tessiture polifoniche e nello slancio di una rara intensità espressiva, ancor più evidenti nella più «difficile» Sonata op.99, di un Brahms maturo e affermato, che, vent’anni dopo il successo della prima, non esita a disturbare il pubblico e la critica per il suo procedere al di là delle convenzioni.

Conclude questa preziosa registrazione il Trio op.114 per clarinetto, violoncello e pianoforte, frutto dell’incontro di Brahms – che già meditava di abbandonare la composizione – con Richard Mühlfeld, un virtuoso de clarinetto che lo convinse della forza espressiva del suo strumento e delle sue capacità ad evocare le voci umane in una molteplicità di registri. Nascono quindi le due Sonate, il Quintetto e questo Trio, capolavoro della letteratura romantica per il clarinetto, qui ammirevolmente interpretato dallo svizzero Fabio Di Casola.

Ascolta Brahms

Complete Sonatas - Les Dominos, F. Malgoire

Ricercar (69’47″)

Con queste sette Sonate, François Couperin inaugura il ’700 musicale francese; Lulli – ormai divenuto Lully ed assimilato alla corte del Re Sole – trionfa cercando di far dimenticare le sue origini italiane, mentre Arcangelo Corelli è ascoltato nella quasi clandestinità dal giovane Couperin che solennemente dichiara «amerò le sue opere sin tanto che avrò vita». Soltanto 35 anni più tardi – ormai divenuto «Le Grand» – Couperin confesserà la «piccola menzogna ufficiosa» con cui aveva presentato le sue Sonades come composte da un «nuovo Autore italiano», convinto che questo travestimento gli avrebbe procurato la benevolenza di un pubblico – già allora, e forse ancor più di oggi – sensibile all’esotismo e alle tendances, ma reticente ad accettare la musica puramente strumentale e che considera il violino «appena adatto a far ballare»…

Florence Malgoire e i suoi Dominos coltivano intensamente questa ispirazione corelliana, con il tessuto voluttuoso delle sonorità raffinate ed un’intelligenza retorica ed espressiva che riscatta l’apparente monotonia del programma. (È da segnalare la presenza di una prima mondiale: La Convalescente, da una copia manoscritta recentemente trovata in Germania).

ps: mi capita raramente di essere affascinato dal libretto che accompagna il disco altrettanto che dalla musica registrata; in questo, il testo di Catherine Cessac illumina la poetica e la storia di queste 7 Sonate con una quantità di preziose informazioni.

Ascolta Couperin

J.S. Bach

Suites per violoncello (trascritte per viola) BWV1007-1009-1011 - Antoine Tamestit

Naïve (59’00″)

Ancora una trascrizione delle Suites per violoncello di Bach, questa volta per la viola, strumento ingrato e che soltanto pochi virtuosi osano presentare sotto le luci inesorabili del repertorio solistico – ed, in questo programma la viola è veramente sola, senza neanche il sostegno del pianoforte, e in un programma dei più difficili e complessi.

Ma Antoine Tamestit è un virtuoso straordinario e un interprete profondo ed elegante, a suo agio nel repertorio cameristico e solistico contemporaneo (Shostakovich, Ligeti, Schnittke) e in quel po’ che i romantici (Schumann, Berlioz) si son degnati di concedere alla viola solista.

Non è la prima volta, d’altronde, che Tamestit ricorre alle trascrizioni, dal violoncello (Schubert, Arpeggione) ma anche dal violino, con una vertiginosa Partita n°2 di Bach (quella con la famosa Ciaccona), offrendoci delle interpretazioni memorabili.

Ascolta Bach

Il Parco Botanico dell’Isola Madre vanta una plurisecolare tradizione di acclimatamento e inserimento di specie provenienti da altri continenti e che qui hanno trovato un habitat ideale. Basti pensare a palme ed agrumi e al “Grande Vecchio dell’Isola Madre”, il celeberrimo Cipresso dell’Himalaya, oggi simbolo dell’Isola e della passione della Famiglia Borromeo per la botanica.

Le protee, arbusto dalla meravigliosa fioritura fiammeggiate, è simbolo del Sud Africa. Le specie sino ad oggi censite tra Africa Australe, Australia, Nuova Zelanda e Sud America sono 117. Danno il meglio di se in ambienti caldi e secchi. Condizioni molto diverse da quelle offerte dal clima del settentrione italiano e soprattutto della zona lacustre.

Nel nostro paese tentativi di inserimento sono noti, a livello di ricerca universitaria, in Sicilia e da qualche privato collezionista.
Che la coltivazione delle protee alle nostre latitudini si presentasse un’impresa ardua se ne trovò conferma anche trent’anni orsono quando all’isola Madre si diede il via ai primi tentativi di piantumazione ed acclimatazione di questa specie.

L’idea era che in un giardino che si stava avviando a diventare uno dei più completi in ambito botanico dei più famosi della penisola, non potesse mancare una zona dedicata alla Flora Australe.
“Fu durante i primissimi anni ottanta – ricorda il signor Giustina, capo giardiniere di Casa Borromeo – che iniziò una corrispondenza con alcuni vivaisti Sud Africani che permise l’arrivo di semi freschi di protea. I tentativi di far germogliare questi semi tuttavia si mostrarono ben presto vani, le giovani e delicatissime plantule malgrado le amorevoli cure morivano inesorabilmente.
Si tentò quindi di percorrere un’altra strada e fu così che attorno al 1985 attraverso il famoso cacciatore di piante e vivaista inglese Sir Harold Hillier arrivarono all’isola Madre alcune giovani piante di protea e di Banksia serrata, un’altra proteacea questa volta australiana, molto decorativa.
Era questa la strada giusta, avere delle piccole piante da coltivare permetteva infatti di saltare la delicata fase della germinazione, come confermò la prima fioritura di una Protea cynaroides e di una Protea nerifolia che avvennero con grande soddisfazione nel 1988.
Ben presto si ebbe conferma che il clima ed il terreno dell’Isola Madre permettevano l’inserimento di questo arbusto ma ci si rese tuttavia anche conto che i grandi picchi di umidità tipici di questa area del Piemonte facevano morire le protee.
Malgrado questa constatazione i nostri abili giardinieri non si arresero e spronati nelle ricerche dalla Famiglia Borromeo cercarono nuove soluzioni per sormontare questi ostacoli.
Intanto sempre attraverso Sir Hillier, negli anni ottanta arrivò dal Cile un’altra proteacea, l’Embothrium coccineum lanceolatum, chiamato “solforito” in onore della foggia a fiammiferi delle infiorescenze. Era veramente impensabile scommettere sull’acclimatazione di questa pianta ma il clima speciale dell’isola permise anche questo felice inserimento. L’albero di solforito divenne così grande (circa 6/8 metri d’altezza), che gruppi di persone si fermavano durante la fioritura ad ammirare i rami di fuoco di questa pianta addirittura visibile dalla costa durante la fioritura.
Parallelamente arrivano anche alcuni semi freschi dall’Inghilterra di un’altra protea tipica questa volta della Nuova Zelanda, la Telopea speciosa. Questi semi divenuti giovani piante furono messi a dimora in piena terra dove fiorirono per la prima volta nel giugno del 1992 in una calda terrazza esposta a sud. Un altro traguardo era stato raggiunto con grande soddisfazione, la via dell’acclimatazione sembrava ben intrapresa.
Tutto sembrava deporre al meglio ma come una potente scure la tromba d’aria che devasta l’isola Madre nel 2006 strappò e distrusse ad una ad una le protee, l’Embotthrium coccineum lanceolatum e la Telopea speciosa. Tanti anni di lavoro studio e ricerca vengono vanificati in una notte quando la furia dei venti del lago si abbattè sull’isola.
Si decide allora di risistemare alcune aree del giardino dedicando una terrazza, in un punto particolarmente caldo ed assolato, alla protee e ad altre piante tipiche della flora Australe forti dell’esperienza ventennale acquisita nella coltivazione di queste piante.
Per ovviare al freddo vento di tramontana che spira generalmente sull’isola dalle 7 alle 9 del mattino sull’ isola si decide di creare una barriera frangivento composta da allori e da un filare di querce da sughero arrivate dalla Spagna. Si costruiscono quindi 8 aiole rettangolari e nel 2009 si piantumato finalmente le prime protee in piena terra. Grazie poi al felice incontro con alcuni esperti ed appassionati alcuni segreti sulla coltivazione delle protee vengono svelati ai nostri giardinieri che gelosamente li custodiscono”.

E’ così che oggi questo splendido fiore, multiforme come il dio greco da cui prende il nome, ha trovato finalmente un luogo ideale dove crescere e fiorire, portando una scheggia di vegetazione proveniente dall’altro emisfero alle nostre latitudini. 

PER INFORMAZIONI E PRENOTAZIONI: Isola Bella e Isola Madre Tel. 0323 30556 info@isoleborromee.it www.borromeoturismo.it 

Dal 30 maggio al 24 novembre, questo accade nella mostra “da Giorgio Franchetti a Giorgio Franchetti. Collezionismi alla Ca’ d’Oro” proposta dalla Soprintendenza per il Polo Museale Veneziano, Soprintendente Giovanna Damiani, nell’ambito delle iniziative istituzionali del Ministero per i Beni e le Attività culturali, promosse dal Servizio architettura e arte contemporanee della Direzione Generale PaBAAC, in occasione della 55. Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia 2013, in collaborazione con MondoMostre, a cura di Claudia Cremonini e Flavio Fergonzi.

Non è ancora stato dimostrato che tra i geni trasmessi ci sia anche quello per il collezionismo d’arte. Ma questa tesi trova sicuramente una conferma nel caso di due collezionisti, nonno e nipote, uniti dalla stessa passione oltre che dal nome: Giorgio Franchetti. Diversissime le loro collezioni di opere d’arte, diversissimo del resto era anche il momento storico e le condizioni in cui vissero e operarono.

Il barone Franchetti sr. amava l’arte antica, i maestri minori, le opere rare e non ancora famose. Il nipote, Giorgio jr, l’arte del suo tempo e del suo ambiente, ovvero la Roma degli anni ’50 e ’60 del ‘900, momento di innovazione e nuovi fermenti, da lui colti e persino stimolati. In entrambi emerge sempre il rapporto intimo e intuitivo con l’opera d’arte, profondamente personale, anticonformista e refrattario alle mode imposte dal mercato, che è ciò che lega geneticamente i due protagonisti della mostra. Della competente passione del primo per l’arte antica, soprattutto rinascimentale, è frutto una collezione originalissima di maestri toscani e centro italiani, veneti e fiamminghi, da Giambono a Mantegna, da Tiziano, Tintoretto, Paris Bordon sino a Guardi, ma anche van Eyck e van Dyck, Paul Brill o Joachim Patinier.

Il nipote Giorgio Franchetti, deceduto da pochi anni (2006), collezionò Tano Festa, Cy Twombly, Enrico Castellani, Piero Manzoni, Alighiero Boetti, Gino De Dominicis, Mimmo Rotella, Mario Schifano, Ceroli, Fabro, Luigi Ontani… e se fece qualche concessione allo “storico” fu per Balla. Queste opere vengono riunite dopo la dispersione che è seguita alla scomparsa del collezionista, nel “portego” del secondo piano di Cà d’Oro. Ad essere coinvolti nella grande esposizione dedicata ai due Franchetti sono tutti gli spazi della Ca’ d’Oro, lungo un percorso che prende avvio dalla suggestiva corte interna del palazzo, ove riposano le ceneri di Giorgio sr., e prosegue al primo piano con una sezione tutta dedicata al fondatore del Museo, alla sua famiglia (di grande interesse i ritratti di Franz von Lenbach, per la prima volta esposti) e alla munifica donazione della Ca’ d’Oro e della sua collezione allo Stato, nel 1916.

Cuore sacralizzato e affettivo della collezione del barone è la cosiddetta Cappella del Mantegna da lui ideata per accogliere il dolente San Sebastiano. Il capolavoro di Andrea Mantegna assurge a simbolo dell’impegno tenace e ostinato del nobiluomo di fare della Ca’ d’Oro un luogo eletto di bellezza e arte, alla sua stessa vicenda umana, segnata da un “sogno di universalità del bello” spinto spesso fino alla ricerca sofferta e sfibrante della perfezione: «In basso, ai piedi del santo, il Mantegna ha dipinto un torcetto acceso che, sotto quello spasimo imprigionato in tanto poco spazio, fumiga come sotto un vento d’uragano. Franchetti lo indicò, con un mesto sorriso: – Vedi questo piccolo cero. Sono io. E m’illudo di fare un poco di luce», dice Giorgio Franchetti accompagnando in visita l’amico Ugo Ojetti.

In una vita di ricerche, Franchetti sr. aveva collezionato e riunito nella rinata Ca’ d’Oro una considerevole sequenza di opere d’arte. Tra le opere di maggior prestigio della pinacoteca – che vanta anche una interessante sezione di pittura fiamminga e olandese del Cinque-Seicento, ilRitratto di Marcello Durazzo di Van Dyck, la Venere allo specchio di Tiziano, le due Vedute veneziane di Francesco Guardi. Non meno importanti le sculture rinascimentali andatesi ad aggregare successivamente (tra cui spicca il Doppio ritratto di Tullio Lombardo) e le collezioni di medaglie, bronzetti, tappeti, arazzi, affreschi staccati e arredi lignei di diversa epoca e provenienza, cui si aggiunge una vasta sezione di ceramiche acclusa al museo nel 1992.

La sezione, curata da Flavio Fergonzi, dedicata al nipote (secondo piano), ne evidenzia la passione, e la competenza, come collezionista di pittura moderna negli anni Sessanta e Settanta in area romana. Senza il sostegno, l’azione e la presenza stessa nel mondo degli ateliers e delle gallerie di questo insolito e geniale collezionista non sarebbe esistita, di fatto, la Scuola romana di Piazza del Popolo. Cuore di questa parte della mostra sono le opere di grande formato di Twombly Rotella, Boetti e Paolini, oltre a capolavori come La creazione dell’uomo, La grande Odalisca di Tano Festa,Futurismo rivisitato a colori di Mario Schifano. Poi opere di scultura, tra le più significative del periodo, di Pascali, Ceroli, Fabro. Un percorso preceduto dall’esposizione di autori, da Balla a Manzoni, che il Franchetti considerava come prodromi del nuovo maturato negli anni Sessanta.
L’esempio del nonno e l’impegno che dedicò a Ca’ d’Oro erano ben presenti nel ricordo di Giorgio jr, come testimonia un articolo di Repubblica del 1984 sulla riapertura di Ca’ d’Oro, dopo i pluriennali lavori di riallestimento:
<< (…) l’operazione è piaciuta al nipote di Giorgio Franchetti, che porta il suo stesso nome (è figlio di Carlo, figlio del barone), ha 64 anni, vive a Roma, è ingegnere ed uno dei maggiori collezionisti di arte contemporanea. “E‘ un sogno che rivive, il sogno della mia famiglia, e anche un esempio che l’Italia può vantare nel mondo della potenzialità dei privati. Il risultato è affascinante: Ci sono dentro tutti i valori che erano cari a mio nonno, e ci sono anche gli oggetti del suo grande sogno dell’ estetica e della bellezza”. >>
Ora, grazie a questa mostra, quel sogno si completa, nel segno della passione per l’arte che accomunò nonno e nipote.

Mattina: La Stilista

Adatto dai 9 ai 90 anni e passa.
Orario: 11-12:30, costo € 20.
A ognuno viene data una scheda con il disegno di un figurino e un kit di tessuti e accessori: si gioca sui modelli, con il tessuto, con i bottoni, con i nastri. Angela Toso sarà presente a L’HUB tutto il giorno per presentare il suo gioco La Stilista.

Pomeriggio:
tingiamo con l’Indaco (e lo zucchero)

Adatto dai 7 ai 97 anni. 
Orario: 14:30-16:00. Costo € 20
Con fruttosio e gesso, anche i bambini possono avvicinarsi alla tintura con l’indaco, un colore entusiasmante!
Cristiana Bellomi di Dragonfly sarà presente dopo il workshop con i suoi filati.

L’appuntamento e’per questa domenica in Via Paolo Sarpi, 8 a Milano.